Apertura 7 de mayo – 27 de mayo de 2021

Los discursos de este departamento se aproximan a la ciencia política, a la crítica colonial y la lucha anti-extractivista. Su título carga una ironía con miradas estereotípicas sobre las regiones del sur global, cuyas reglas sociales muchas veces sobrepasan las convenciones y formas de comprender en Occidente. La historia moderna de violencia y machismo, en muchas de esas regiones, creó una cultura de golpes de estados apoyados por castas aristocráticas decadentes, aún en el poder en pleno 2021. De acuerdo con la historia y el programa de estereotipos vigente, en estos países abundarían los recursos naturales a buen precio, paisajes exuberantes, narco-fiestas y bellas muchachas; un El Dorado de oportunidades, donde enriquecerse a partir de parámetros de explotación está a disponibilidad de quien pueda tomarlo.

Sus obras y actividades denuncian censura, violencia institucional, neo-extractivismos, la relación de cuerpos con la autoridad e historias escritas con sangre y hierro encima de otras. Su contenido reflexiona sobre modernidades heterogéneas que hicieron madurar escenarios políticos y estéticas, a la vez creando nuevos ethos sociales por la opresión y defensa del mercado. En la constelación de posiciones que comentan ese escenario, el riesgo es elemento presente que se experimenta performativamente en ciudad, con la agonística propia de la movilización social tal como se desencadena en Brasil, desde 2016, y en Chile el 2019. Este departamento escribe su narrativa con los trabajos de Cheril Linett, Matheus Rocha Pitta, Jaime Lauriano, Ana Maria Millán, Marilyn Boror Bor, Andressa Cantergiani, Julia Mensch, Kiyoshi Yamamoto, PSJM y Daniela Ortiz, sumados a las actividades del programa público.

PSJM

Penetración Capitalista en la Amazonia de 1988 a 2019

En esta pieza parte de la serie “Geometría social” y de la subserie “Historia natural”, los artistas canarios representan por medio de un mural con base en datos estadísticos cómo ha evolucionado la deforestación de la selva amazónica brasileña entre 1988 a 2019. La pieza usa dos colores – código gráfico común en la estadística –  y utiliza la codificación simbólica que asocia al verde con la vida, la naturaleza y el sexo femenino, así como lo hace con el blanco como ausencia. Por otra parte, PSJM propone una lectura basada en el título como discurso esencial para que la obra se constituya como tal. Así es posible acceder a una lectura diacrónica de la obra. Esta es: es posible entender que, más allá de toda diferencia política o incluso sexual, existe una evolución en el tiempo de la colusión estatal y privada para la explotación del territorio amazónico. 

PSJM (Cynthia Viera( Las Palmas, Gran Canaria, 1973) y Pablo San José (Mieres, 1969)

PSJM es un equipo de creación, teoría y gestión formado por Cynthia Viera (Las Palmas G.C., 1973) y Pablo San José (Mieres, 1969). PSJM se presenta como una «marca de arte», apropiándose así de los procedimientos y estrategias del capitalismo avanzado para subvertir sus estructuras simbólicas.

El «equipo-marca» ha sido incluido entre los 100 artistas más representativos del arte político internacional en Art & Agenda: Political Art and Activism (Gestalten, Berlín, 2011). También ha sido incluido en Younger than Jesus. Artist Directory. The essential handbook to the future of art (New York: Phaidon-New Museum, 2009) y Come Together: The Rise of Cooperative Art and Design (New York: Princeton Architectural Press N.Y., 2014), entre otras publicaciones. Sus obras están presentes en numerosas muestras internacionales como Personal Structures en el contexto de la 58ª Bienal de Venecia (2019), Beyond the Tropics, en el contexto de la 56ª Bienal de Venecia (2015), Hic et Nunc, Hirshhorn Museum, Washington D.C. (2014), One Shot!, Museu Brasileiro da Escultura, São Paulo (2014), Off Street, A Foundation, Londres (2009), The Real Royal Trip… by the Arts, PS1-MOMA, New York (2003, en colaboración con El Perro y Aitor Méndez), y otras de ámbito estatal como Prophetia, Fundación Miró, Barcelona (2015) o PIGS, Artium, Vitoria (2016).

En el ámbito teórico, cabe señalar algunas de sus últimas publicaciones: Arte y procesos democráticos (TEA, Tenerife, 2017), Fuego amigo (CENDEAC, Murcia, 2015) o el artículo «Marcuse y el lema de la CIA» en la Revista de Occidente (Madrid, 2016). Entre sus trabajos de gestión cultural se encuentran los comisariados de Es personal (Gabinete Literario, Las Palmas GC, 2019), Biotopías (Gabinete Literario, Las Palmas GC, 2018), Arte y Participación Ciudadana (Las Palmas G.C., 2016) o la coordinación e imagen de World is Work, comisariada por José María Durán (Kwadrat, Berlín, 2010). Su intensa actividad se extiende a la didáctica, donde destaca su presencia como profesores invitados en la Washington State University o los talleres de verano PSJM•Workshop en el Instituto Cervantes de Berlín (2012-2015) y en el Gabinete Literario de Las Palmas GC (2018-2019).

https://psjm.es/

Marilyn Boror Bor

Edicto Cambio De Nombre, 2018

En 2018, Marilyn Elany Boror solicitó cambiar su nombre a Marilyn Elany Castillo Novella, sustituyendo su apellido indígena por el nombre de dos de las familias más ricas de Guatemala. Este acto resultó de su investigación sobre la práctica social del cambio de nombre en su país: personas con apellidos indígenas suelen cambiarlos cuando se trasladan a las grandes ciudades, en especial a la capital, para escapar de la discriminación y el racismo. El cambio de nombre de Boror se hizo viral y fue objeto de polémicas en las redes sociales. La losa de granito, grabada con su cambio de nombre y colocada en el piso, es como una lápida o placa conmemorativa que mantiene vivo el recuerdo de su apellido indígena en un espacio de duelo. [Adaptado de “This might be a place for hummingbirds”: Galerie im Körnerpark, Berlín, 16.11.19-05.02.20.]

Marilyn Boror Bor, Guatemala, 1984

Vive y trabaja en Guatemala. Artista Maya-Kaqchikel originaria de San Juan Sacatepequez Guatemala, trabaja múltiples medios incluyendo fotografia, pintura, grabado, instalación y performance. Su trabajo ha sido presentado en espacios como Galerie im körnerpark Berlin Alemania; Whitebox Munich, Alemania; Sur Gallery, Toronto Canadá; Galeria Muy, México, Museo Nacional de Arte Moderno Carlos Mérida de Guatemala; Museo Ixchel, Guatemala; Museum of Contemprary Art Santa Bárbara, California; Instituto de las Artes de la Imagen y el Espacio Venezuela; Centro Cultural de España de Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua y Costa Rica, Centro Cultural Municipal AAI, Guatemala; Museo de Arte Contemporáneo, el Salvador; Museo de Arqueología y Etnología de Guatemala; The 9.99 Gallery Guatemala; Nuevo Museo de Arte Contemporáneo NUMU, Guatemala entre otros.
Ganadora de la Beca a la Investigación Artística Yaxs 2017-2018; artista seleccionada para participar en la XIX, XX y XXII Bienal de Arte Paiz -Trans/visible-, -Ordinario-Extraordinario- Y –Perdidos.En Medio.Juntos-, Guatemala 2014 y 2016 y 2021; la Bienal del Sur “Pueblos en resistencia” Caracas, Venezuela y el Festival Internacional de las Artes FIA, Costa Rica.

http://marilynboror.com/ 

Jaime Lauriano

America: Democracia racial, melting pot y pureza de razas

Esta serie recrea ilustraciones de mapas y cartas náuticas con sus escenas emblemáticas de las navegaciones y el “descubrimiento del nuevo mundo”. Es una relectura en negro sobre blanco de los primeros esfuerzos por representar el sistema de colonización, la explotación de la madera y la mano de obra indígena, el primer proletariado del futuro “continente”. Las cintas autoadhesivas, utilizadas a menudo para atar a las personas en los linchamientos, forman un rectángulo dorado que remite a la explotación del suelo y de los cuerpos por la mercantilización colonial. Los términos democracia racial, melting pot y pureza de razas, extraídos de los libros que narran la Historia de América, refuerzan la violencia de esas ilustraciones de la “Invención del continente americano”.

Jaime Lauriano / São Paulo, 1985. Vive y trabaja entre Oporto/Portugal y São Paulo/Brasil.

Licenciado en el Centro Universitario Belas Artes de São Paulo, 2010. El artista examina las estructuras de poder contenidas en la producción de la Historia. A través de piezas audiovisuales, objetos y textos críticos, pone de manifiesto cómo las relaciones violentas entre las instituciones de gobierno y control del Estado -como la policía, las prisiones, las embajadas, las fronteras- y los sujetos dan forma a las sociedades. Así, su trabajo saca a la superficie traumas históricos relegados al pasado, proponiendo una revisión y reelaboración colectiva de la historia. 

Exposiciones individuales recientes: Marcas, Fundação Joaquim Nabuco, Recife, Brasil, 2018; Ao Norte do Rio, Sesc Santana, São Paulo, Brasil, 2018; Brinquedo de purar moletom, MAC Niterói, Río de Janeiro, Brasil, 2018; Assentamento, Galeria Leme, São Paulo, Brasil, 2019; Nessa terra, em se plantando, tudo dá, Centro Cultural Banco do Brasil, Río de Janeiro, Brasil, 2015; Autorretrato em Branco sobre Preto, Galeria Leme, São Paulo, Brasil, 2015; Exposiciones colectivas seleccionadas: Lanzadera, Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo, Brasil, 2019; La caída del cielo, CAIXA Cultural Brasília, Brasília, Brasil, 2019; Quem não luta tá morto – arte democracia utopia, Museu de Arte do Rio, Río de Janeiro, Brasil, 2018; Historias afroatlánticas, MASP e Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brasil, 2018; El juego del mundo: Fútbol y Arte Contemporáneo, Pérez Art Museum Miami, Miami, Estados Unidos, 2018; 11ª Bienal de Artes Visuales del Mercosur, Triângulo do Atlântico, Porto Alegre, Brasil, 2018; Festival de Arte Contemporáneo Sesc_Videobrasil, São Paulo, Brasil, 2017; Metrópole: Experiencia Paulistana, Estação Pinacoteca, São Paulo, Brasil, 2017; WELT KOMPAKT?, frei_raum Q21, Viena, Austria, 2017; How to Remain Silent, A4 Arts Foundation, Ciudad del Cabo, Sudáfrica, 2017. 

Colecciones públicas: MAC Niterói, Niterói, Río de Janeiro, Brasil; MAR – Museu de Arte do Rio, Río de Janeiro, Brasil; MASP – Museu de Arte de São Paulo, São Paulo, Brasil; Museo Casa das Onze Janelas, Belem, Pará, Brasil; Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo, Brasil y Schoepflin Stiftung: The Collection, Lörrach, Alemania.

http://jaimelauriano.com/

Daniela Ortiz

El príncipe blanco, 2019

Manual para superar el test de Integración en la sociedad española, 2015

La artista y activista genera narraciones visuales donde los conceptos de nacionalidad, racialización, clase social y género son entendidos críticamente para analizar el poder colonial, capitalista y patriarcal. Sus proyectos abordan el sistema de control migratorio europeo, su vínculo con el colonialismo y los mecanismos legales de las instituciones europeas que ejercen violencia contra las poblaciones migrantes y racializadas. El príncipe blanco y la resistencia del pueblo cercano narra la historia de un príncipe blanco que intenta dominar a un pueblo del Abya Yala (América en lengua kuna) a través de la explotación del oro y cuyo poder es derribado por la resistencia de un pueblo de la tierra; mientras su Manual para superar el Test de Integración pretende brindar la información para formar parte de la ciudadanía española desde un punto de vista crítico de la construcción colonial de la identidad nacional y las condiciones impuestas a personas migrantes.

Daniela Ortiz / Cuzco, 1985

Daniela Ortiz de Zevallos Pastor es una artista de origen peruano, formada en la Pontificia Universidad Católica del Perú, en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona y estudió pintura con Claudia Cuzzi. Residió en Barcelona desde desde 2007 y retornó a Perú en 2020 con motivo de amenazas y ataques xenófobos recibidos a través de internet. Ha exhibido sus proyectos en festivales y exposiciones, individuales o colectivas, celebradas tanto en espacios de España como en Perú o Los Ángeles. Ha participado en seminarios, talleres y clases magistrales con Paul B. Preciado, Rogelio López Cuenca, Santiago Sierra, Rirkrit Tiravanija, Martí Peran, Josep Maria Martí, Raimond Chaves, Alberto López Bargados, Yoshua Okon, Natalia Iguiñiz y Marcelo Expósito. También ha colaborado en proyectos de otros artistas, como por ejemplo con Cecilia Podestá o Guillermo Castrillón, ambas colaboraciones en 2005

http://daniela-ortiz.com/

Julia Weist & Nestor Siré

ARCA [extra], 2018

ARCA [Extra] es un directorio digital de archivos de descarga creado a partir de la investigación de una estrategia social creativa relacionada con la ausencia de conectividad a internet en Cuba: el Paquete Semanal, que alimenta por el país una colección semanal de contenido fuera de línea en medios digitales de 1TB, transportados en cajas de discos duros. 

Este material, en gran parte de entretenimiento, excluye la pornografía y la política, y su distribución tiene raíces en los sistemas clandestinos en Cuba de los años 1970. Desde fines de la década de 2000, el Paquete Semanal, que cuesta 2 CUC,  se ha convertido en una industria que llega a casi todos los cubanos. Una descarga completa cuesta 2 dólares, y es un lujo relativo aunque asequible para la mayoría.

El sistema de copia digital es técnicamente ilegal, pero aceptado por parte del gobierno cubano, que no le aplica la ley.  Ese “tráfico de información” es un fenómeno descentralizado, sin una estructura jerárquica sino de los clientes. Cualquiera puede reapropiarse del paquete y readaptarlo, ponerle un logo y revenderlo, como un creative commons, perfilando una user generated economy de dinámica de distribución de contenido propia. Esto da lugar a la aparición de fenómenos como los Packetubers, adolescentes que comparten videos a través del paquete y utilizan sms y llamadas para contactarse con sus seguidores, traduciendo la interactividad de internet a la condición cubana offline. 

El trabajo de Weist y Siré opera como una cápsula del tiempo; una obra-dispositivo compuesta por 6 carpetas con archivos para consultar y copiar de un ordenador instalado en el Kiosco, bajo el cartel que anuncia “se llenan memorias”, emulando la interactividad de los puntos de distribución del paquete semanal en la isla. 

Índice de categorías ARCA [Extra]

1. Contenidos originales: una colección completa de contenidos originales creados en Cuba para el paquete, incluyendo revistas digitales, anuncios y programas dedicados al entretenimiento, los deportes, los chismes de los famosos y la cultura local. 
   
2. Matrices: un archivo de los logotipos promocionales de las distribuidoras cubanas, o matrices, que van desde los alquileres de VHS de los años 80 hasta los vendedores de DVD, pasando por los estudios del Paquete Semanal. 
   
3. !!!Sección A R T E: un archivo completo de los proyectos de artistas presentados en !!!Sección A R T E, un proyecto de Siré para hacer circular el arte contemporáneo en una carpeta homónima como parte del paquete 
   
4. El Paquete Semanal (archivo nacional): una colección de contenidos y capturas de pantalla que documenta la arquitectura de las carpetas de cada sub-matriz, o distribuidor regional, en Cuba. 
   
5. Selección de fotos: una colección de imágenes de alta calidad relacionadas con el Paquete Semanal, incluyendo fotos de los PCs utilizados por las matrices y de las cajas que se construyen a mano para transportar los discos duros de una ciudad a otra.
   
6. ARCA [Extra] museo de la democracia: una carpeta de contenidos compilados en exclusiva para esta exposición entre los que se encuentran artículos de investigación relacionados con las obras de la colección temporal del museo, libres de derechos de autor.

Infomercial, 2017

ETRES es la primera agencia publicitaria en Cuba desde la Revolución Cubana en 1959, y el Paquete Semanal es la plataforma principal que utiliza para presentar su trabajo. Weist y Siré la contrató para crear “Infomercial”, una infografía en video que ilustra las condiciones históricas, sociales y económicas que llevaron al surgimiento del Paquete Semanal.

Las raíces de este fenómeno se remontan a la década de los 70´ del pasado siglo, cuando luego de 10 años de pleno control gubernamental de los medios de comunicación se desarrolló un negocio underground: el alquiler de novelas y revistas. Este creó las bases de una red para el intercambio nacional cuyo objetivo fue actualizar sus productos. La red evolucionó a partir de la necesidad de circular los nuevos soportes audiovisuales, como los casetes VHS, que comenzaron a finales de los 90′, y los DVDs, en los 2000′. Por último, el Paquete Semanal también aprovechó la creciente presencia de antenas piratas de televisión satelital, la accesibilidad a dispositivos electrónicos personales y la aparición de internet en algunas instituciones. Si bien este sistema de circulación de medios digitales sigue siendo técnicamente ilegal, está tácitamente permitido a través de la no intervención por parte del gobierno.

Una descarga completa del Paquete Semanal normalmente cuesta 2 CUC (2 dólares aproximadamente), lo que le convierte en un lujo relativo, aunque asequible para la mayoría de los cubanos.

Julia Weist. New York, 1984 & Nestor Siré.  Nuevitas, Cuba, 1988

La artista estadounidense Julia Weist y el artista cubano Néstor Siré colaboran desde 2016. Su trabajo se ha expuesto recientemente en el Queens Museum (Nueva York), la Bienal de Gwangju (Gwangju, Corea del Sur), el Hong-Gah Museum (Taipei) y la Galería MPA (Madrid), entre otras instituciones. Han escrito sobre su colaboración para publicaciones como Frieze, Rhizome y Triple Canopy y han dado numerosas conferencias en lugares como el New Museum, el Williams College Museum of Art, el MIT Open Documentary Lab y Art Basel Miami. Han recibido una beca de la Fundación Jerome, una beca de la Fundación Camargo y una subvención del Fondo de Ayuda a las Artes Audiovisuales del Estado de Nueva York.

Web Julia Weist: http://work.deaccession.org/ 
Web Nestor Siré: http://www.nestorsire.com 

Gustavo Artigas

Sin título, 2003

“Sin título” fue realizada en colaboración con el cuerpo de bomberos en la Ciudad de Panamá. La intervención consistió en llenar de humo el Palacio Municipal, donde se aloja un poco conocido Museo de Historia y en cuya colección está el Acta de Independencia del país centroamericano. Las reacciones de los transeúntes van de la indiferencia total a los sollozos y gritos. Responden así desde la memoria cultural a un evento repetido en múltiples puntos del mapa y la historia de la capital panameña, fundada en 1519 y por siglos uno de los puertos principales para Europa y las Américas.

Gustavo Artigas – Ciudad de México, 1973

A lo largo de los últimos 25 años, Artigas ha experimentado con diferentes medios y modalidades artísticas visuales, como el arte sonoro, las instalaciones site specific, la performance, las obras relacionales, las plataformas educativas, las piezas de luz y la pintura. Algunas de las obras más reconocibles Algunas de las obras más reconocibles de Artigas relacionan estructuras lúdicas con situaciones de desastre. Su obra dialoga con una gran variedad de temas, desde lo político hasta las identidades sociales, y pasó a formar parte del pujante grupo de artistas mexicanos contemporáneos que surgió en los años 90 y que tuvo un importante impacto en la escena artística internacional. Como parte de su práctica realiza talleres especializados de creatividad en países como Canadá, Argentina, Panamá, Francia, España, Finlandia y México. De 2010 a 2018 fue profesor de Arte Contemporáneo en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado La Esmeralda en la Ciudad de México.

Desde 2018 codirige con la mediadora de arte y curadora pedagógica Muna Cann, la iniciativa de arte contemporáneo Art Links Inc. con sede en Canadá. Algunas colaboraciones incluyen el MOCA Museum of Contemporary Art Toronto, TheSite Magazine y YYZ Artist Outlet. http://gustavoartigas.com/ga/en/c/works/

Ana María Millán

Elevación, 2019

“Elevación” (2019) es un proyecto de colaboración con un grupo de artistas en el MAMBO Bogotá para trabajar en torno al mito de origen de las FARC. Las y los participantes de este proceso se basan en las estrategias narrativas de un cómic del movimiento titulado “Marquetalia, Raíces de la Resistencia”. La historieta narra de manera sencilla y por medio de personajes clave cómo un grupo de comunistas y liberales son expulsados de la vida pública durante el proceso histórico entendido como “La violencia”(1948 – 1958). El éxodo se da a causa del homicidio de Jorge Eliecer Gaitán, candidato socialista a la presidencia, así como los resultantes levantamientos sociales del “Bogotazo” en 1948. En 1954, durante la dictadura del Gral. Gustavo Rojas Pinilla (1953-1957), se prohíbe en la Constitución colombiana el militar o colaborar con el comunismo internacional. Comunistas y liberales movilizados se autoexilian en la localidad de Marquetalia, en el Departamento de Tolima, zona montañosa del centro de Colombia. Estos serían de los primeros antecedentes históricos del movimiento más tarde conocido como Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia – Ejército del Pueblo (FARC-EP), actores relevantes en el conflicto armado que se extendió hasta el 2016. En la actualidad, existe un acuerdo de paz y la otrora FARC-EP es un partido político legal: “COMUNES”

Ana Maria Millán. Cali, 1975

Vive y trabaja en Berlin.

http://anamariamillan.info/

Matheus Rocha Pitta

Eye for an Eye, 2020

La obra es una meditación sobre justicia social. En la reciente ola de protestas en Chile, en 2019, más de 400 personas perdieron uno o ambos ojos a causa de balas de goma deliberadamente  disparadas por la policía. Uno de estos manifestantes cegados dijo en una entrevista: “Lo que hemos perdido y lo que hemos dado no ha sido por nada”. La escultura que hizo Rocha Pitta es un gigantesco ojo colectivo que pretende ocupar el lugar de este ojo perdido. Un ojo por un ojo. ¿Hasta qué punto nuestras nociones de justicia dependen de la visibilidad o, mejor dicho, por qué la justicia debe estar ciega para ser justa?

Matheus Rocha Pitta. Tiradentes, Brasil, 1980

Vive y trabaja en Berlín y Río de Janeiro. Estudió historia y filosofía en la Universidade Federal Fluminense, Niterói, y en la Universidad del Estado de Río de Janeiro en Río de Janeiro. Su obra ha sido presentada internacionalmente en exposiciones individuales y colectivas, entre ellas en Kunstverein Hamburgo, Alemania, 2020; Museu de Arte Moderna de Río de Janeiro, 2018, Trienal Frestas, São Paulo, Brasil, 2017; El Ranchito, Matadero Madrid, España 2014; The Great Acceleration, 9 Bienal de Taipei, Taipei, Taiwán 2014; Artesur, Collective Fictions, Nouvelles Vagues, Palais de Tokyo, París, Francia, 2013 y Kunst Im Tunnel, Düsseldorf, Alemania, 2013. Ha sido becario en Künstlerhaus Bethanien, Berlín (2016-17). Está representado en las colecciones del Castelo de Rivoli, Turín, y del Museu de Arte Moderna de Bahía, Río de Janeiro y São Paulo, entre otros.

Andressa Cantergiani

Combate, 2018

Vistiendo un mono blanco, la artista pasó ocho días en el Museo Militar del Comando Sur (MCCC), Porto Alegre, Brasil, confrontando su cuerpo a tanques, carros de combate y cañones de la colección de las Fuerzas Armadas, estableciendo conexiones disruptivas con esos símbolos de masculinidad. Inspirada en el concepto feminista de sororidad se propuso un experimento con la colaboración de ocho mujeres que contribuyeron con kits de supervivencia diarios para la artista. Cada día se formó una colección poético-política con provisiones básicas como ropa de abrigo y alimentos. El número ocho se relaciona con movimientos feministas globales como el 8M, Women’s March, me too, Niunamenos, 8A, #ELENÃO [ÉL NO], entre otros movimientos de lucha política de minorías socialmente subalternizadas.

Andressa Cantergiani. Caxias do Sul, Brazil, 1980

Artista visual y performer, madre y activista. Vive entre Berlín y Porto Alegre. Doctoranda en Poética Visual en el PPGAV-UFRGS con instancia de investigación en la Universidad de Ciencias Aplicadas y Artes – Hoschulle Hannover – Alemania. Máster en Comunicación y Semiótica en la PUC/SP. Graduado en Artes Escénicas por DAD/UFRGS.Artista representado por la Galería Mamute, Porto Alegre-Brasil. Director de la Residencia BRONZE y de la Galería Península en Porto Alegre. Ha realizado residencias, proyectos y exposiciones en diversos espacios del mundo como la Fundação Iberê Camargo/RS/BR, Brasil, MAC/RS- Museo de Arte Contemporáneo, Museo de Arte Contemporáneo Bispo do Rosário/RJ/BR, Residencia Terra Una/MG. Insurgencias de residencia, Berlín/DE, Despina/RJ. Tiene obras en colecciones privadas y publicas como el Museu de Arte de Rio Grande do Sul, Porto Alegre.  

Cheril Linett

Yeguada Latinoamericana, 2020

Impresión digital en PVC / Digital Print on PVC / Digitaldruck auf PVC

200 cm × 300 cm

YEGUADA LATINOAMERICANA es un proyecto de performance creado y dirigido por la artista Cheril Linett, quien invita a accionar a mujeres y disidencias sexuales. Ell*s disponen sus cuerpos en calles, lugares institucionales y fechas patrias para ironizar y desafiar regímenes clasistas, patriarcales, coloniales y especistas. El proyecto es desarrollado por un grupo estable de performance y acción directa, y explota dos vertientes estéticas: una trans-especie y una fúnebre. Ambas toman lugar en el espacio público e instrumentalizan los procedimientos de las fuerzas de orden  del Estado para la composición en tiempo presente de las imágenes y situaciones activadas por la Yeguada.

Cheril Linett. Santiago de Chile, 1988

Artista de performance e investigadora escénica. Autora del proyecto de performance Yeguada Latinoamericana. Licenciada en Teatro con mención Intérprete de la Universidad Academia de Humanismo Cristiano. Inició su trabajo artístico el 2015, participando en encuentros, festivales y, principalmente, realizando performance de manera independiente en espacios públicos. A la fecha, ha creado y dirigido numerosas obras, agrupadas en series de performance como Coreografía de succión, Poética de las Aguas, Vertiente Fúnebre y Casa. Actualmente es becaria del Programa de Dirección Escénica FITAM – Goethe-Institut Chile en Santiago de Chile.